Andrii Rachynskyi, Daniil Revkovskyi / Kh. Archives
Ruským imperialismem hnaná agrese na Ukrajině spěje ke svému smutnému třetímu výročí. Zároveň se ocitáme v kritické situaci, kdy i na Západě, který Ukrajinu dosud podporoval, se do popředí derou proudy, které přehlížejí základní existenční potřeby napadené země a adorují právo silnějšího. Což může mít fatální dopad nejen na ni, ale na celý kontinent a světový systém, který se stane ještě bezohlednějším a křehčím. Výstava dvou ukrajinských umělců, v níž se nacházíte, se samozřejmě dotýká tohoto aktuálního „velkého dění“, dělá to však, jak už to v umění bývá, po svém.
Přestože autoři často pracují ve dvojici, tentokrát představuje každý své vlastní video.
I zde však lze najít mnohá vzájemná pojítka. Ústředním námětem je město Charkov, milionová aglomerace nedaleko ruských hranic, kde umělci strávili většinu života
a které s počátkem invaze na dlouho opustili. Oba tvůrci uplatňují, jak naznačuje název výstavy, metody „archivního impulzu“, tedy jakési rekonstrukce minulosti za pomoci nashromážděných archiválií a stop. Daniil konkrétně využívá staré fotografie a filmy, které s pomocí nástrojů umělé inteligence oživuje, současně je však činí i podivně snovými až přízračnými. Nesnaží se totiž rekonstruovat „objektivní“ historii města, ale spíše experimentálně vyvolávat jeho podobu ve vědomí své babičky Viry (1927—2008), která v Charkově strávila celý svůj dlouhý život. Snímky často pořízené pro oficiální
a jiné účely to samozřejmě umožňují jen do určité míry, i tak nám však z nich sestavené pásmo dobře evokuje složitost, pohnutost a drastičnost těchto dějin, s nimiž současný boj Ukrajinců úzce souvisí. Atmosféra pak vystihuje také fakt, že babiččiny příběhy například z doby ukrajinského Hladomoru (vyvolaného stalinským vedením Sovětského svazu) Daniilovi vždy přišly jako z místa, které je spíše neskutečné a mytické, vzdálené jeho realitě. Nicméně dnes, když musel město za tak kritických okolností opustit, ho sféra snů či spíše nočních můr opět zahaluje.
Andrii navazuje z chronologického hlediska přesně tam, kde Daniil skončil. Jeho
video má dvě vrstvy. V první sledujeme banální záznamy ze sociálních sítí, nezáměrné dokumenty charkovských ulic, typických stánků, lidí, kteří zde žili a pracovali, jejich malých snah, radostí a hádek. S ní je konfrontována druhá vrstva — krátké záznamy těchto míst po ruské invazi a útocích v roce 2022. Někdy jsou zcela zničená střelbou
a požáry, jindy vidíme „jen“ zabedněné výlohy. Naší pozornosti by nemělo uniknout,
že se zde objevují vývěsní štíty a různé cedule, taktéž s různě proděravělými, deformovanými nebo opadanými nápisy. To není náhoda. Písmo ve veřejném
prostoru jako svědek i tvůrce politicko-společenské atmosféry a událostí zajímá autora dlouhodobě. Mohu připomenout, že Andrii s Daniilem před šesti lety vystavovali
v OFF/FORMATu „válku nápisů“, tedy proukrajinských a proruských graffiti nebo slovník ženských jmen, jimiž ukrajinští vojáci označovali své obrněnce v donbaském konfliktu. Nyní se setkáváme s další válečnou typografií, která se stává znakem životního prostoru ruskými útoky terorizovaných civilistů, s jejichž předchozími mírovými životy je konfrontována.
Umělci tedy společně vyprávějí příběh Charkova prostřednictvím archivních obrazů, avšak i skrze své vlastní příběhy – prožívané těmi, kteří město v kontextu války
opustili a to se pro ně začalo stávat něčím unikajícím, o to však důležitějším, hluboce prožívaným a zkoumaným. Tohoto charkovského průvodce tak můžeme zřejmě chápat i jako terapii svého druhu a pro nás diváky zde zase může být výzvou k zamyšlení,
co lze udělat či na čem trvat, aby osudy Charkova zůstaly nadále spojeny s existencí suverénního a svobodného ukrajinského národa.
Ondřej Navrátil
Andrii Rachynskyi (1990) a Daniil Revkovskyi (1993) vystudovali uměleckou akademii v Charkově, kde donedávna také žili
a pracovali. Od roku 2012 tvoří uměleckou dvojici, která se prostřednictvím různých médií a praxí (instalace, video, práce
s archivy, reenactment…) vyjadřuje k postsovětskému prostoru, jeho paměti a každodennosti a od vypuknutí donbaského konfliktu také k ruské agresi a válce. V poslední době se podíleli na prezentaci Net Making v národním pavilonu Ukrajiny na Benátském bienále (2024), samostatně vystavovali v Kyjevě (Let the Dream Follow the Night, 2024), Lublinu (Mickey Mouse’s Steppe, 2023), účastnili se společných výstav Ukrainian Dreamers. Kharkiv School of Photography (Wolfsburg, Berlín, 2023—2024), From 1914 till Ukraine (Stuttgart, 2023) nebo Global Spotlight: Video Art From Ukraine (Arlington, 2023). Do galerie OFF/ FORMAT se vracejí po necelých šesti letech (War of Inscriptions, 2019).
TA-TA-TA-TA… zní šerem místnosti, jako když si děti hrají na vojáky. Ale místo, „padni nebo nehraju“, se ozve, „opakuj po mně“, a titulky v projekci se začnou žlutě zabarvovat tak, abychom i my byli schopni napodobit frázování kulometné palby. Poláci1 se zbláznili; dělat z probíhající války karaoke! Jak nepatřičné! Pohnu rty, TA-TA… ale nemůžu, zachvacuje mě úzkost z té prosakující, přitom nesdělitelné osobní zkušenosti válečného uprchlíka, který mi znovu říká, opakuj po mně. Nechci to umět zopakovat. Naopak s Petrem Hruškou si rozmarně opakuji: …ty kašpare před Bohem, vnuku hada, vřede na svém ptákovi… přeřízni vlastní matku! Dopis Záporožských kozáků sultánovi, jehož sepisování zvěčnil slavný ruský realista Ilja Repin, je básníkem přivlastněn pro komentář nové situace „záporožských“. Nemám rád vulgární a silácké pokřikování. Ale tady jde o citaci, zubatý střep zkušenosti, která se na jazyku mění v cosi jako zaříkání.
V zoufalství se úlevně smějeme skrze slova, která bychom jindy nevypustili z úst. Ve výstavě Bezohlední pracují se slovy hned další dva autoři. Slovní hříčky Davida Helána s neúprosně úspornou přesností ironizují oblasti uměleckého provozu (Britney_ klystýr_v_Christie ́s, Vymaharadža), společenských témat (Zero_zvěst, Brainwashington) i vlastní práce (jazykozpytomec). Bezstarostné žvatlání a šprýmování doprovázené nahodile rozteklou hmotou odstavuje slova od vážné pozornosti k jejich obsahu. Právě touto ironií, tímto druhým ohlédnutím však dosahují účinku; že vznikají jen tak, jakoby nic. Podobně jako obrazy Mariana Pally. Nejsme v existenciálně vypjatém informelu, když pozorujeme staré ponožky nalepené na plátně. Změní banalitu ponožek to, že se jedná o ponožky Antonína Dvořáka? Zaměnitelné jméno propůjčuje nezaměnitelnost vystaveným ponožkám ne proto, že by patřily TOMU Antonínu Dvořákovi, ale právě proto, že mu nepatří. Jen tento artistně ironický škraloup odlišuje Antonínovy ponožky od těch našich – tedy vpravdě nic. A je fascinující i útěšné, jak prostorný bazén rozkoše nám toto transformované nic poskytuje. Rozkoš nabízí i videonávod Andrease Gajdošíka, jak si doma ve stavu nouze jednoduše vyrobit vaginu. Návod je převzatý, ale ožívá zařazením narativu oslav Prvního máje a pochodu neonacistů, slušných vlastenců, kteří jsou zřejmě jediní, kdo naši zemi, reprezentovanou státní vlajkou, skutečně miluje. Ironie je tu prostředkem zesílené kritiky, která jde na hranu legálních prostředků, čímž se vyjevuje další hrana – eticky šokující forma se ukazuje společensky problematičtější než problém, na který upozorňuje. Karyatidy Matěje Smetany odmítají diktát idealizace, demonstrují přijetí ženského těla takového, jaké je. Vedle symbolického posunu,
že i batole nebo shrbená stařena tvoří pilíře chrámu, ale vyjevují také „mimoděčné“ souvislosti, a sice že s proporcemi těla se mění i chrám samotný, pro jeho uživatele dokonce fatálně, a ponouká tak myšlenku, že v určitých situacích je důsledné naplňování všeobecně prospěšné věci směšné nebo zcela nesmyslné. Který narativ je silnější, je na divákovi, ale musí si vybrat? Video Poslední malíři světa vtahuje do expozice krizové dilema členky/a „elitářské subkultury“, která/ý si tváří v tvář válečným konfliktům, klimatické krizi či potlačovaným právům klade otázku, jestli by neměl/a dělat něco prospěšnějšího, než je umění. Z příběhu čiší banalita a bezvýznamnost abstraktní malby. To ovšem neplatí o abstraktně geometrickém cyklu obrazů Venduly Chalánkové, Vypadlá kachlička, který je přes svůj modernistický styl pevně ukotvený v žité, všem srozumitelné realitě normálního člověka. Nemít jeden, ale dva nebo více pohledů na jednu věc může zpomalovat. Je ale otázka, jaký výkon chceme měřit. Romantická rozervanost nabízí zážitek z bloudění, jímž skutečně nedogmatická účast na světě je. Nemá-li směřování naší umělecké angažovanosti skončit v rozvalinách (jak romantické!), musí si je vybudovat samo! Vtělit zříceninu už do hradu, který se teprve staví, krásu vypadlé kachličky do vášnivě precizního lepení obkladu. Vidět i ve vážnosti hru, aby se nezměnila ve směšnost a fanatickou doktrínu.
Petr Kovář
Andreas Gajdošík (1992) absolvoval FaVU v ateliéru Intermédia (Pavel Sterec, Filip Cenek). Věnuje se společensky angažovanému umění a intervencím do mediálního i reálného prostoru. Je autorem portálu Národní liga, který formou soutěže shromažďoval rasistické a xenofobní výroky uživatelů sociálních sítí. V roce 2019 se stal laureátem Ceny Jindřicha Chalupeckého.
David Helán (1979) vystudoval AVU v ateliéru Miloše Šejna. Zaměřuje se především na performativní intervence do různých prostředí, v nichž je častým prostředníkem bezprostřednost, humor či sarkasmus. V loňském roce podnikl imerzivní Art Live Tour ve spojených státech.
Petr Hruška (1964) básník, spisovatel, literární historik. „Píšu nejspíš proto, že chci překvapit sám sebe, a tak zjistit, zda nejsem mrtev… Dobrá báseň o mrkvi na dopoledním stole dokáže člověka natolik rozrušit, že se ho pak na chvíli týká celý svět.“ Získal řadu ocenění, včetně Drážďanské ceny lyriky, Ceny Magnesia Litera nebo Státní ceny za literaturu.
Vendula Chalánková (1981) absolventka ateliéru Environment (Vladimír Merta, Marian Palla) brněnské FaVU. Konceptuální umělkyně, ilustrátorka, autorka komiksových stripů, knih pro děti a designové značky Zvrhlý vkus. Za knihu O Červené Karkulce obdržela Zlatou stuhu.
Marian Palla (1953) působil v orchestru opery v Brně, přes patnáct let učil v ateliéru Environment na FaVU a 24 hodin kreslil jednu čáru. Jako spisovatel a básník je autorem řady knih včetně nečitelné knihy Njkpůúp kkléedc. Sám se označuje za naivního konceptualistu. Přiléhavými slovy Víta Havránka „chce věci intenzivně prožívat, ale zároveň je dělat jen tak“.
Matěj Smetana (1980) vystudoval FaVU v ateliéru Intermédia a Malba 3 (Petr Kvíčala), učí na AVU. Významným rysem jeho prací je „hra“, prostřednictvím níž zkoumá principy našeho vnímání. Převažujícím médiem je mu video a animace. V roce 2014 byl finalistou Ceny Oskára Čepana.
Za horizont současného antropocénu směřujeme po více vzájemně se křížících a proplétajících trasách. Mezi nimi je nepochybně velmi důležitá ta, která se více než jiné obrací k lidské niternosti a vede nás k přehodnocování našeho vztahování se k okolí, zemi, ne-lidem i nám samotným. Nutí nás kriticky nahlížet domnělou lidskou výlučnost a nezávislost a transformovat vlastní vnímání, prožívání, postoje a etiku. Přičemž v umění má zkoumání tohoto terénu již dlouhou tradici a umělci a umělkyně, aniž by si nárokovali jejich univerzální pravdivost, nakreslili množství osobních map.
Při těchto výpravách „za“ hraje důležitou roli aktivní učení – a to nejen jako prostředek osobního ale také širšího společenského poznání. Není proto takovým překvapením, že se v této umělecké zóně objevují iniciativy, které zcela otevřeně operují s pojmy „pedagogika“ „univerzita“ nebo „vzdělávací model“. Mají ambice otevírat prostory, v nichž se participanti mohou učit od druhých nebo s nimi a sdílet vlastní poznání. Rozvíjet spolupráci, budovat komunity a společně se zasazovat o změny. K těmto dvěma klíčovým rámcům – ekologickému a edukačnímu – můžeme přidat ještě třetí: příběhy. Každý z těchto projektů má svůj (vždyť některé mají historii v rozměru desetiletí) a společně se pak propojují v jednom větším, ukazujícím samozřejmě rozdíly, ale také podobnosti a kontinuitu určitých kvalit a hodnot. A právě tento příběh (jakkoliv neúplný) chce tato výstava vyprávět. Začneme v polovině 90. let, kdy Miloš Šejn a Frank van de Ven založili workshop Bohemiae Rosa, který chce zkoumat vztah těla a krajiny a také možný vzdělávací model pro předávání této zkušenosti. Vyšli přitom z kontextu akčního umění, land artu, tance butó, romantismu i osobně pojímaného biocentrismu a navzdory všem změnám kurz funguje dodnes. Podstatně kratší trvání měl utopický projekt E-area stejnojmenného kolektivu, v jehož výzkumném a vzdělávacím centru se měl kultivovat vztah k planetě a přírodě a také globální rozprava a moudrost. Podobu této „univerzity třetího tisíciletí“ formoval dobový kyberutopismus, který spojoval s počínajícím internetem a virtualitou demokratizační a emancipační potenciál, stejně jako myšlenky hlubinné ekologie, zdůrazňující přírodní a kosmickou reorientaci člověka. Ty byly doménou zvláště Jiřího Zemánka, který o dekádu později spoluzakládal Pilgrim – potulnou univerzitu přírody. Jak napovídá název, ústředním motivem se zde stala tisíciletá zkušenost filozofů, asketů, malířů, básníků a dalších, že pěší putování krajinou transformuje naše vnímání a prožívání. O další desetiletí později se již mocně zvedala současná vlna zájmu o environmentální problematiku, která upřela pozornost k aktuálnímu postantropocentrickému myšlení – posthumanismu, spekulativním filozofiím, novému materialismu… To navazuje na hlubinnou ekologii i se vůči ní vymezuje – místo planetárního organismu zdůrazňuje spíše sítě aktérů. A v těchto diskurzivních prostorech je již také zakotveno sdružení AB HPP, které si vytklo za cíl rozvíjet alternativní pedagogický model mezidruhového naslouchání zaměřený na nejmenší děti, nebo společenství Agronauts* Collective. To zase hledá udržitelné bytí prostřednictvím pravidelných sympozií, mikroutopického a multidruhového experimentování.
Je zřejmé, že tyto projekty jsou silně odstíněny individualitami jejich tvůrců, dobovým myšlením a atmosférou, přesto všechny vycházejí ze silného vnitřního důvodu, kladou důraz na hluboké spojení se světem kolem nás, otevřenost, citlivost, subjektivnost, experiment a kreativitu… Nejsou přitom vzděláváním v tradičním smyslu, což jim však nijak neubírá na inspirativnosti pro naši cestu antropocénem, právě naopak.
Ondřej Navrátil
Calpernia Addams, Libuše Jarcovjáková, Jan Matýsek, Tomáš Němec, Veronika Žilinská
10. 4.—14. 5. 2024
Digitální média jsou v kontextu současného umění zásadním mezníkem. Svoboda sebeprezentace, kterou přinášejí právě nové technologie a s nimi sociální sítě, pomáhá překonávat hranice mezi majoritní společností a danou subkulturou. Odstup od společnosti, který tyto platformy poskytují, může být stěžejním faktorem pro svobodné a pravdivé hledání, vyjádření a sebedefinici. Tématem výstavy Normcore jsou nové interakce autorů, sdělující širší veřejnosti zásadní informace o sobě a druhých. Tím pomáhají sobě i divákovi najít cestu k přijetí ostatních. Výstava představuje výběr z autorů, pro které je hra s novými formami interakce s divákem důležitým prvkem tvorby a komunikace. Název výstavy tak ironicky reaguje na definici pojmu normcore, tedy výrazu vzdoru proti novým trendům.
Jednou z vybraných umělkyň je Calpernia Addams, která se mimo jiné prosadila autorskou hudbou a na výstavě je zastoupena spontánně vzniklým klipem k vlastní písni Stunning. Dle jejích slov je v její tvorbě spousta „hloupostí“, ale její video je také komentářem k tomu, jak vtipná jí připadá ješitnost, sebestřednost a podlost ve společnosti. Jan Matýsek vstupuje do prostoru galerie svou intermediální instalací plyšových soch. Ty se stávají prostředníky ke studiu vnitřního světa. Pohybuje se přitom v širokém prostoru mezi symbolickým ztvárněním lidských archetypů a explicitní snahou poznávat vlastní útroby, kterou nám ukazují připojená videa. Za pomoci transu smyslů se tak hypnoticky noří do nitra. Tomáš Němec, zástupce „klasického“ média malby, pracuje s příběhy obrazů ve specifickém prostředí současné digitální kultury. I když nová média v oblibě nemá, jeho tvorba je částečně ovlivněna sociálními sítěmi, přes které poznává a vyhledává modely. Výběr pro výstavu odkazuje na specifické napojení děl na obsah nebo reakce veřejnosti na sociálních sítích, které se pravidelně liší dle konkrétní platformy. Queer komunitě se ve svém díle dlouhodobě věnuje také Libuše Jarcovjáková, která je na výstavě zastoupena sérií T-Club. Ta s lehkostí a autenticitou zachycuje „safe queer spaces“ v tuzemských osmdesátých letech. Svou výpovědní hodnotou jsou fotografie Jarcovjákové srovnatelné s dokumentárními filmy, jako je Paris is burning, přibližují však téma ve středoevropském kontextu jedinečným způsobem. V neposlední řadě je na výstavě prezentován také digitální diptych Veroniky Žilinské, který přibližuje coming out z různých časových perspektiv. Zobrazuje přitom dynamické přechody mezi vnitřními a vnějšími světy a s tím spojené proměny.
Výstava reflektuje fenomén digitalizace kultury a s tím spojené transformace modelů vzájemného setkávání. Zatímco dříve se tyto kontakty odehrávaly na společných akcích, například ve Warholově Factory nebo u newyorských ClubKids, dnes se přesouvají na digitální platformy. Ty otevírají nové cesty interakcí mezi autorem, jeho dílem a veřejností, přesto však osobní přímé setkání zůstává pro všechny nenahraditelné.
Šimon Kříž
Začátek / Jakub Lipavský, Vladimír Véla
21. 2.-26. 3. 2024
Probůh, oni si hrají s abstraktními tvary, zatímco kolem nás se děje tolik věcí, v nichž by se měli umělci angažovat! Země není placatá, zplošťuje ji jen naše myšlení. To, když pro samé rácio ztratíme pohled imaginativní, iracionální, intuitivní. Autoři Začátku jdou jinou než lingvisticky racionální cestou, k níž mnohdy svádí i vizuální umění, vizuální umění, které je pak do-slovně přeložitelné. Tady pořád ještě cele ne. Je to ale někde blízko. Ono se to vlastně už děje, jen na překladovém řádku stále prázdně pulzuje kurzor, jako tep, jako odměrka dávky krve z komory tam uvnitř, ale slova chybí, až pak, když se diktát kurzoru zklidní, zjistíš, že nechybí, nejsou tam a nepřijdou, ale nechybí. Když takový moment nastane, cítím se nejvíc neoddělený. Nevzdálený ostatnímu, jako by Velkého třesku nebylo. Chtít odejít vždycky s odpovědí je chyba. Věta je jen jedna část světa. Vidět až na dno je chiméra v boji proti chimérám. Jsem přesvědčený o tom, že širší společenské prožívání imaginativního jazyka by mohlo přinést víc empatie, než znalost všech verbálních jazyků světa.
Vrať se na začátek, slyšeli jsme tolikrát, když nešlo klubko rozmotat. Vidět ve věcech, jevech, situacích jejich minulost, formující příčiny, znamená porozumět stavu, ale stejně tak je důležité vnímat ony situace jako začátky toho, co přijde dál, v co se promění. Dokončenost je past. Pokud není jev nadále transformován živou myslí, umírá. Proto umělecké dílo překračuje autora i jeho „přeložitelný“ záměr, a není dokončeno nikdy.
Jakub Lipavský i Vladimír Véla se procesuálního charakteru permanentní nedokončenosti dotýkají zpříma. Jako když zpochybníte černobílý vzor na kachličkách, jistě to znáte, jednu chvíli vnímáte černé tvary na bílém pozadí, a pak to vyměníte. Svět je rázem jiný; obsahuje jiné znaky, jiná sdělení. Autoři však nevolí mezi bílou a černou, ale osahávají onen tavný moment, situaci zření, kdy se viděné mění v podezření, v předsudečný tvar, aby byl následně popřen a rozebrán. Přítomné elementární motivy objektů a obrazů jsou tedy ve svém minimalismu otevřené; prostor současně zaplňují i prohlubují. Beton a latě. Je objekt už hotový, ba, je to vlastně „on“, nebo se to pravé poznání skrývá někde uvnitř v zašalované hmotě? K ryze profánní funkci odkazující materialita se tu sráží se spiritualitou tvaru. Některé Jakubovy organičtější sochy se rodí ze země, jako odlitek komponované jámy. Vyzdvižené nitro se střevy a tepnami stavebních prefabrikátů je novou krajinou, její ztěžka přiznávanou částí. Také Vladimírovo „Stoupající M“ spíše není, nežli je; tvořeno tím iluzivním chyběním tvaru v barevně poutavé mase. Mezera v mase. Vladimír maluje konkrétní věci; srdce, vejce, uzel, ale jako by se při rozpomínání na ně dostal na začátek, před chřtán dešifrující mašiny. Transcendující věcnost motivů a materiálů tu stírá rozdíly mezi plochou a hloubkou, stálým a nestálým, vnitřností a vývržkem. Začátek je právě tak materiálovou ódou jako metafyzickou meditací.
Vesmír se prý stále rozpíná. Jsme protézou Velkého třesku! Nicméně vědci spekulují, že původní nerozdělená hmota ve vesmíru dosud existuje, ba vzniká – v jádrech velmi hustých objektů. Jako by se uprostřed dneška dokázaly dostat na začátek…
Petr Kovář
Horizont, sotva / Jaroslav Prokeš, Jan Stolín, Petra Vlachynská
Výstava rozvíjí motiv horizontu v různorodých formách ztvárnění, aby bylo možné se nepojmovým způsobem přibližovat zachycení složitosti jeho dění. Horizont lze totiž na jedné straně chápat jako přítomnost hranice, k níž se v našem fyzickém i mentálním prostoru vztahujeme a která nám díky své přítomnosti dává možnost myslet a chápat vlastní pozici ve světě. Na druhou stranu je tato základní vlastnost uzavírání vždy spojena s protichůdným pohybem otevírání: horizont dává možnost jeho překročení, ukazuje na cosi, co ještě není viditelné a poznané. A možná zůstane neviděné a nepoznané, ačkoli tvoří druhou stranu prostoru, jež už zabydlujeme.
Tato povaha horizontu jako hranice známého a neznámého často směřuje k potřebě jejího zbytnění, zpevnění až opevnění, s cílem utvořit bezpečný prostor. Uvnitř jasně vymezeného prostoru se můžeme se zdánlivou lehkostí zabydlovat a kultivovat jej, protože vše nepatřičné a neznámé z něj můžeme vytlačit: máme vlastní prostor pod kontrolou. Tušíme, že naše myšlení musí narážet na odpor překračování sebe sama, držet se blízko vlastního horizontu, aby se nedostalo za hranici uchopitelného a sdělitelného. Horizont tím nabývá podobu, ačkoli třeba jen formou ideje, čehosi neměnného a pevného. Jenže to je jen iluze: horizont se sice jeví jako přesná hranice, ve skutečnosti jej nelze ztotožnit s konkrétní věcí, není to nakonec ani na obraze skutečná čára. Je výsledkem artikulování zorného pole, případně šířeji polem toho, co je nám známé.
Je proto třeba zpřesňovat uchopení horizontu v jeho protichůdnosti. Přes vůli k zastavování horizontu je nutné obhajovat jeho unikavost a otevřenost. Jakmile se horizont stává statickým, myšlení se omezuje a upadá do zvyku. Horizont proto v sobě vždy nese už přítomnost neznámého a nikdy nepoznatelného, jež přes vlastní nepřítomnost konstituuje prožitek přítomnosti. Je proto souběžně uzavřený a otevřený, pevný a měkký, jasný a nečitelný. To odporuje tendencím černobílého myšlení, které vyžaduje binární pozici: je třeba se nacházet buď ve stavu A, nebo ve stavu B, nikoli A i B. Soustředěná zkušenost horizontu v umění jej však může ukazovat jako dění ambivalencí, a přesto si zachovávat základní rovinu srozumitelnosti a uchopitelnost z pozice diváka.
Na kresbách Horizont 1 (2023) a Horizont 2 (2023) Jana Stolína v úvodu výstavy je zřejmé, že zprvu čitelná definice tvarů linií je při bližším pohledu méně jistá a křehčí. Stopy pigmentu poukazují k něčemu skrytému, co vystupuje zpoza hranice tvaru. Projekce Stejně tak jako (2024) Jaroslava Prokeše převrací pohledem bezpečností kamery zkušenost „tady a tam“ do události prolínání obrazu s rozměrem romantické kategorie vznešenosti a skutečnosti přehlíženého okraje banálního předmětu. Ambivalenci horizontu události, jež nemůžeme být redukován na iluzi čáry, a přesto má unikavý kresebný charakter, na výstavě zpřítomňují díla Událost 1 (2024) Jana Stolína a Mimo ohnisko (2024) Petry Vlachynské.
Jakmile se ustavuje horizont, objevuje se začátek i konec bez narativního smyslu. Horizont tak znamená rozdělení předchozí jednoty a současně vytváří řád a srozumitelnost díky nastolené uspořádanosti. Ztvárněný horizont je tak formou agrese, řezu, jež rozděluje a rozpojuje. Avšak opět: i když rozděluje, současně vytváří pole propojování a přechodu, jinak řečeno návaznosti, plynulosti a setkávání. Je tedy jak místem zlomu, tak místem pokračování.
Naším úkolem je horizont obstarávat: vytvářet jej vždy nově i pečovat o ten stávající.
Filip Šenk
Sentenze / Daniela Mikulášková, Anna Zemánková
nna Zemánková nepochybně patří k mezinárodně uznávaným představitelkám art brut. Její imaginativní intuitivní malby a kresby často, ve shodě s medijními tvůrci, nesou florální charakteristiky nebo připomínají skladbu hmyzích těl či stylizovaných krajin. Zejména v sedmdesátých letech pak experimentovala s perforací či výšivkou, později také s novými materiály; různými umělými vlákny, výstřižky látek, vlepovanými nebo všívanými prvky drobné bižuterie. Velmi svobodná expresivní kresba nití je dlouhodobým vyjadřovacím prostředkem také Daniely Mikuláškové. Specifická práce s materiálem (gestická výšivka, pomalost exprese) i její historicky podmíněná kontextualizace (ornament, folklor, gender) se účelně propojují s krajinnými inspiračními zdroji a důrazem na meditativní procesualitu. Název společné výstavy Zemánkové a Mikuláškové, Sentenze, spojuje snovou fantazijní uvolněnost s tenzí, s nekonkrétním napětím, které tvůrkyně žene k novým magickým kompozicím, k chrlení světů v obrysech vystupujících právě až pod rukou, stehem, linií, výstřižkem… A současně, ve spojení snu a tenze odkrývá význam.
Výstava Sentenze vznikla jako výsledek intenzivního setkání Daniely s pracemi Anny, když strávila několik dní v ateliéru/archivu, který spravuje Zemánkové vnučka Terezie. Setkání se stalo katalyzátorem nového produktivního směru, kterým se Daniela vydává. Po první fázi příliš popisného napojení na obdivované motivy, začala svobodněji využívat materiál i postupy; odlišně od své předchozí tvorby. Ráda volí materiál darovaný, který už má svoji historii – barevná zašlost, skvrny či samotný vzor látky autorku navádějí k dalším postupům výšivky. „Potom ta ruka šije sama. Je tam záznam života látky a výšivka záznam jen znovuoživuje.“ Pracuje se záclonou vytvářející průhledné vrstvy, které na sebe reagují, prolínají se. „Nic od toho nechci, zjeví se to až později. Zažívám si svobodu tím, že cíl si předem nevytyčuji. A zároveň takto může, dle principu art brut, tvořit každý.“
Anna Zemánková si svými díly přirozeně zdobila interiér bytu, v němž žila; práce často obměňovala, takže návštěva se defakto stávala vernisáží. Kromě toho začala v šedesátých letech pořádat „skutečné“ bytové výstavy. Hranice mezi vybavením interiéru a uměleckou expozicí je tu analogická střetu autorčiny potřeby dekorativního zdobení a sofistikované reflexe moderního umění, který v jejím díle nacházíme. Výstava tuto hranici připomíná prostorovými akcenty – jednak instalací Mikuláškové Věčnosti, krajiny červených stehů, mapy, kůže, tapiserie, jednak DIY „paravánem“ Anny Zemánkové. Paraván tvořený oboustrannými obrázky na malých překližkách je bytovým doplňkem, dekorativní stěnou, jejíž podobu známe z dobové fotografie zachycující jednu z výstav v bytě na Buzulucké ulici v sedmdesátých letech. Pro naši výstavu jsme s nadšením přistoupili k rekonstrukci této unikátní instalace, která, vzdor popularitě díla Anny Zemánkové doma i ve světě, dosud nebyla žádnou institucí realizována.
Petr Kovář a Šimon Kříž
OFF/FORMAT © 2025, všechna práva vyhrazena . Cookies . code by MFÁčko . webdesign by
Galerie OFF/FORMAT is licensed under CC BY-NC 4.0